Aun Helden
EYIBRA
Lau Mota
Raphael Tepedino

E para nós, resta pêlo e ossos

Dentro de nós, sucata. 

Pensemos performances como ações de um corpo. E o corpo deve estar ali. O que o corpo também deve é uma infinidade de coisas. Associamos movimento e estática à performance dentro da arte contemporânea, e o corpo deseja apresentar algo, representar algo, mostrar, apontar e contar. O que o corpo deseja também é uma infinidade de coisas. 

Nosso corpo, que é uma máquina insistente, consegue nos mostrar muito com seus mecanismos programados e funcionamento obsessivo, que se desdobram e desdobram até se dissolver em um lugar que leio como imaterial, o lugar da não visão. 

Os pensamentos que cabem nesse campo são quase metafísicos: O sentimento mora - fisiológico - dentro de nós? Onde se aloja o desejo? O cansaço? São sistêmicos ou estão acumulados em alguma junta? O espírito do corpo está dentro, agarrado aos órgãos, à direita do ventrículo esquerdo, ou se pendura invisível nas asas de nossos ombros? 

Como gestora e fundadora do Projeto Caroço, há três anos tento me associar com artistas e curadores que traduzam essa fome de um estômago sem fundo que sinto ao comer do prato (as sobras) da arte contemporânea brasileira. Escrevo sempre que posso, mesmo que nunca deva, e organizo minhas observações sobre o que nos propomos como programa de um projeto que dá passos lentos e curiosos dentro de um mercado que já sabe bem o que quer.

A exposição que ocupa o espaço em Março, AAATRIOOO, intenciona já em seu título a primeira repetição visual - a da vogal - insistente e contagiosa como um bocejo, para nos convidar a comparecer à uma noite onde acontecem quatro performances duracionais dentro do espaço da galeria - cada uma com o tempo de quatro horas - simultaneamente acontecendo, duas em cada andar. A proposta, vinda de uma conversa entre a artista Aún Helden e eu, têm a intenção de criar um espaço passivo ao acontecimento performático, que chega aos olhos dos espectadores como sangue no átrio do miocárdio, e distribui aos sentidos humanos experiências que vão desde a interação física, como na performance de EYIBRA, que pede - ME TOQUE COMO SE MEU CORPO FOSSE SUA PROPRIEDADE - performando em contexto de seu corpo mexicano existindo e resistindo fronteiras que não o querem vivo; passa pela máquina-corpo de Raphael Tepedino, que escolheu uma instalação mecânica pra representar o ser que deve entregar esforço e trabalho (com desempenho); 

Subindo para o segundo andar, o artista Lau Mota, com sua instalação performática, nos convida a entrar em uma casa de marionetes - a despersonalização do corpo mascarado, a pessoa ocupando o lugar do objeto, e um cenário carregado com a ideia tríplice agindo em uníssono, sugerindo ainda uma imagem estranha e curiosa, e finalmente, chegando à apresentação de Aun Helden, que alterna entre morrer e viver sofrendo o derretimento do corpo-gelo que pende sobre ela.

Lau Mota, em sua pesquisa, frequentemente provoca a desintegração da identidade individual, seja pela incorporação de máscaras, seja pela criação de réplicas de si, que se relacionam entre si mas não diretamente. O artista cria uma atmosfera onde a confusão dos elementos que compõem a instalação propõe uma cena estranha aos olhos dos espectadores. Isso dialoga diretamente com o conceito de despersonalização como resistência ativa do corpo frente às imposições do sistema. As marionetes e as máscaras criam uma espécie de "vazio" no corpo, um corpo que já não se reconhece mais em si mesmo. Em “specculum/puella", os corpos parecem não se reconhecer e nem possuir uma individuação, avaliam a si mesmos e o público com uma inocência calma e ponderada, e em alguns momentos interagem com seu reflexo no espelho ou parecem se surpreender com a  textura de sua pele de tecido.

Em um tempo que marca a entrega constante e a produtividade, os corpos de Mota negam a individualidade, transformando-se em múltiplos do eu, objetos que questionam a própria ideia de corpo como ferramenta de eficiência, mas que se lançam ao jugo dos olhos que vigiam e punem. A máscara é, portanto, um símbolo dessa alienação, mas também da possibilidade de resistência ao domínio do "eu" – uma recusa em ser consumido pelas normas de um sistema que define quem você deve ser e como deve agir, e ao mesmo tempo, passivo ao controle da observação e despersonalização realizada pela sociedade atual, objetificando o ser-passivo.

Entendendo “Skin Value”, do artista EYIBRA, com seu grito "ME TOQUE COMO SE MEU CORPO FOSSE SUA PROPRIEDADE", a performance pode ser vista como um ato de resistência explícita à objetificação do corpo. O que o artista faz, ao pregar essa frase na parede ao lado do seu corpo, é justamente desafiar a autonomia desse corpo e a forma como ele é consumido pelo olhar externo, seja pelo sistema patriarcal americano sobre os países latinos,seja por suas fronteiras políticas e sociais. Ele traz para a performance a luta contra a desumanização do corpo, algo que também ressoa nas reflexões que atravessam o trabalho de Lau Mota e nos conectam à pressão de desempenho que os corpos sofrem na sociedade contemporânea.

Já o trabalho de Helden neste ato - Requiem n 4 - continua um movimento auspicioso de pesquisa por ícones que traduzam essa curiosidade de seu “ser-agente” performático. E é justamente nesse lugar de resistência que o seu corpo, concentrado em sobreviver ao contato com baixas temperaturas, se desenha como um corpo em sofrimento, como se sua matéria orgânica se recusasse a ser contida pela rigidez de um modelo imposto. É um corpo que, no ato de se entregar ao desconforto, coloca em cena a exigência social da contemporaneidade: ser eficiente, ser produtivo, ser inquebrantável, até que o corpo não consiga mais se dobrar, até que ele superaqueça. Ainda, é um corpo que se resfria e esquenta, treme ao toque, mofa e está vivo.

A falha que evidenciamos na performance, que não é apenas um erro ou uma ruptura, é um estado irrefutável de resistência, o corpo se desfazendo e se decompondo, em uma epopeia que recusa o domínio implacável do tempo e do ato de performar. Aqui, nos remetemos à crítica escancarada que também emerge na instalação de Tepedino, onde a máquina – o ar condicionado que zela pela continuidade do ambiente controlado – se torna uma metáfora para o esforço físico incessante, a obsessão pelo ato, da participação e da rotina cotidiana. Como o corpo de Helden, o corpo na obra de Tepedino é submetido à pressão de uma força externa, repetindo-se, funcionando sem descanso, imerso no calor da exigência de produtividade até não ser mais capaz de sustentar-se. A máquina, que serve como uma  extensão do corpo, ou como substituta do trabalho, insiste em operar sem pausa, e a cada ciclo, o corpo que nela se insere parece ceder, se esgotar, tornar-se um reflexo das exigências dessa máquina capitalista que jamais desacelera.

O corpo nessas performances, portanto, é mais do que apenas um locus físico; é um campo de batalha onde a vigilância, seja interna ou externa, marca cada movimento, cada respiração, cada gesto. Ele é disciplinado, ajustado às normas de um sistema que não oferece espaço para o erro, e nesse jogo de repetições incessantes, ele é moldado até se tornar uma extensão da própria lógica de produtividade e eficiência. Como a sociedade neoliberal exige, o corpo precisa estar sempre em movimento, funcionando, mesmo quando o peso de sua exigência o leva ao estado de “burnout”.

No entanto, a falha que surge desses corpos não é um simples colapso, mas o último ato exausto de resistência. Uma resistência silenciosa, mas poderosa, à tentativa de subjetivação que busca impor as normas e as expectativas sociais e políticas, convertendo o corpo em um objeto controlado e previsível. E assim, a falha — o erro que o corpo não pode mais evitar — se torna um rompimento necessário, uma quebra da disciplina, uma recusa à performance que nos é imposta. O corpo, fadigado e transformado, em sua falha, resiste, e ao resistir, questiona as próprias estruturas que tentam aprisioná-lo.

A performance cria o espaço que recebe a performance. Átrio, o grande saguão de encontro, reúne quatro performers com pesquisas distintas, mas que se misturam na cavidade dos assuntos que abarcam a vida e a morte e as pulsões, e que os leva a convergir-se num ponto único e multifacetado como um diamante. 

É contemporâneo quando precisamos dividir nossa atenção entre nossos interesses e em um mundo com excesso de informação, estando nós ainda mergulhados (afogados) em um sistema de serviência e cobrança constantes, que esquenta e resfria nosso corpo de maneira não saudável. Por isso, a proposta era resistir perante um público que precisasse perder algo para ver tudo. Quatro horas, quatro apresentações que traduzem as angústias de uma geração para um público que não escapa à experiência na íntegra de nossas próprias realidades. No fim, e também no começo, tudo é embrionário.

E para nós, resta pêlo e ossos.

HELDEN, em seu quarto ato da série nomeada Réquiem, está deitada em uma base branca do tamanho de seu corpo, este vestido com uma roupa-pele de látex branco que cobre o corpo todo, com luvas e meias de látex com espinhos de metal, de material translúcido e aspecto leitoso, enquanto um som de sinos marca badaladas regulares e ressoam pelo ambiente através de caixas de som. Em sua cabeça está posicionada uma coroa em formato de capacete feita de espinhos naturais (planta conhecida como espinheira santa) em cima do rosto, enquanto um gelo de doze quilos, içado por cabos de aço e apoiado por uma grelha metálica, derrete lentamente sob seu corpo, que resiste ao frio congelante pelas próximas quatro horas. 

MOTA, performando “specculum/puella", existe em três corpos: bonecas mascaradas encenam movimentos lentos ao som de música clássica tocada por pianos, saindo de caixas de som. Duas estão no chão, sentadas, e uma senta sobre uma cadeira do tipo divã ao centro, hora escrevendo em uma máquina de escrever, hora posando de costas. Os gestos de todas são delicados e calmos seguindo a música. Vestem colãs brancas que cobram corpo todo, incluindo mãos e pés. Usam máscaras inspiradas em personagens de anime japonês, perucas loiras e longas, roupas de renda delicadas e curtas sobre o suit. Estão posicionadas sobre tecidos, onde estão elementos como velas falsas e partituras. Se movem fora de sincronia, de maneira complementar, durante o período de quatro horas.

TEPEDINO, performa “zéfiro", mas não em pessoa. A escolha do artista é representar o corpo que performa com uma instalação de ares condicionados, cinco no total, empilhados em cima uns dos outros, separados por travesseiros sujos. Esses ares estão ligados e funcionando dentro de uma caixa de vidro com saída pequena para o ar na parte da frente. Os ares respiram e transpiram, aquecem e resfriam dentro desse vidro numa performance que dura quatro horas.

Marina Leite

superaquecido. superexplorado. cansado. fatigado. à mercê da falha

coração - oxigenação - átrio - sístole - diástole - antígona - performance - ato

abandono da casca - saida - agua em movimento - água como agente performático

desfiguração, não-movimento, tentativa, repetição até a falha, não possibilidade da falha, superaquecimento, exaustão, trabalho, dano, liquidez, entrega, purgação, desafio, farpa,

locus, átrio, hall, receptáculo, cerâmica, corpo, jarro.